Le Théâtre Nô, ou Nôgaku

Le Nôgaku est né entre les époques Kamakura et Muromachi, soit vers 1350 et constitue l’une des formes traditionnelles de théâtre au Japon.
Le Nôgaku comporte deux aspects, celui, mystérieux, du Nô, théâtre dansé inspiré des drames historiques et de la littérature classique, empreint de retenue et de suggestion, et celui, plus réaliste, du Kyôgen, pièces comiques mettant en scène le petit peuple, tournant en dérision les travers et mesquineries de l’être humain. Depuis les origines du Nôgaku au 14ème siècle, le Kyôgen est joué sur la même scène que le Nô, comme intermède. A travers le symbolisme de l’un et le réalisme de l’autre, ces deux aspects du Nôgaku traitent tous les deux de l’essence de la nature humaine. 

Voici une présentation vidéo du Nôgaku:
http://www.youtube.com/watch?v=NjK7_8-gJZc 

Le Théâtre Nô est donc une forme de théâtre masquée pluridisciplinaire, mêlant le théâtre, la musique (3 percussionnistes et 1 flûtiste), le chant (un choeur), et la danse.

Voici un lien vers un extrait de la pièce Funabenkei jouée par les acteurs de l’école Kita:
http://www.youtube.com/watch?v=QrAbPd1V-UM

 Le Spectacle Jeanne d’Arc

Suite à une master class donnée au Conservatoire d’Orléans en 2007, Maître Kano a été très touché par le personnage de Jeanne d’Arc et a décidé d’écrire une pièce de théâtre Nô sur Jeanne d’Arc. C’est la première fois dans l’histoire du Théâtre qu’une pièce de théâtre Nô de structure classique aura pour thème un personnage européen.
Cette création mondiale sera interprété par les plus grands Maîtres de l’école de Nô Kita, les Maîtres de la famille Yamamoto de l’école de Kyôgen Okura, ainsi que par des grands Maîtres instrumentistes.

La pièce Jeanne d’Arc retrace l’histoire de Jeanne, de sa naissance à sa mort. Créé pour le 600ème anniversaire de la naissance de Jeanne d’Arc, ce spectacle est avant tout la rencontre entre le Théâtre Nô et l’un des plus grands célèbres personnages de l’histoire de France. Grâce à l’art du Nô empreint de délicatesse et de spiritualité, Maître Kano et sa troupe nous offriront une vision unique et originale de la pucelle d’Orléans.
Pour cette création, le rôle de Ai-Kyôgen (récitant) sera confié à Raphaël Trano de Angelis, metteur en scène et comédien de la compagnie orléanaise Théâtre de l’éventail, et élève de Maître Tanshu Kano et de Maître Tojiro Yamamoto. Ce rôle de récitant sera interprété en français,a fin de faciliter la compréhension. 

Lire le Dossier Presse

Jeanne d’Arc, CRÉATION MONDIALE
Une pièce écrite par Haruo Nishino
Créée et interprétée par 25 artistes de Théâtres Nô:
-les acteurs de Nô de l’école Kita, dont Maître Tanshu Kano, Bien Spirituel Vivant du Théâtre Nô et Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres
- les acteurs de Kyôgen de la famille Yamamoto de l’école Okura, dont Maître Tojiro Yamamoto, Bien Spirituel Vivant du Théâtre Nô.
Récitant: Raphaël Trano de Angelis
Durée: 1H30 environ

Samedi 5 mai à 20H30
Théâtre d’Orléans
Boulevard Pierre Ségelle
45000 Orléans 

ENTRÉE LIBRE (dans la limite des places disponibles)Renseignements et Réservations: 02 38 24 05 05 / 09 81 16 78 19
WWW.THEATREDELEVENTAIL.COM 

La master class sur le Théâtre Nô 

Une master class sur le Théâtre Nô aura lieu le samedi 5 mai à 10H00 au Conservatoire d’Orléans.
Au cours de cette master class, les acteurs, chanteurs, et musiciens japonais effectueront une présentation de leur art en trois parties:
- démonstration d’un extrait de pièce: danse accompagnée d’un choeur et d’un orchestre (percussions et flûte)
- explications sur le Théâtre Nô et présentation de masques et/ou de costumes
- apprentissage des bases du Théâtre Nô à des élèves stagiaires du Conservatoire (acteurs, danseurs, chanteurs, ou musiciens).

Master class sur le Théâtre Nô
par Maître Ryoichi Kano, les acteurs de l’école Kita et des Maitres de percussion et de flûte 

Samedi 5 mai de 10H00 à 12H00
Salle de l’Institut
Place Sainte-Croix
45000 Orléans 

ENTRÉE LIBRE (dans la limite des places disponibles)Renseignements et Réservations: 02 38 79 21 33
WWW.THEATREDELEVENTAIL.COM

Création 2007

La Jalousie du Barbouillé et Le Médecin volant est le premier spectacle du Théâtre de l’éventail. Il est monté en commedia dell’arte.

Les pièces

Ce sont les deux premières pièces de Molière. C’est après avoir vu les comédiens italiens jouer ces canevas de commedia dell’arte que Molière les a adaptés en français (vers 1647). Ces farces reprennent deux thèmes typiques de la commedia dell’arte : le mari cocu et le mariage forcé. Quelques années plus tard, il se servira de ces pièces pour écrire George Dandin ou Le Médecin malgré lui. On peut déceler dans ces deux farces tout le talent de l’auteur du Misanthrope.

Dans La Jalousie du Barbouillé, nous suivons les mille ruses qu’invente Angélique pour tromper son vieux mari, Le Barbouillé.
Dans Le Médecin volant, Sganarelle utilise sa fourberie pour que son maître puisse épouser la femme qu’il aime.

L’histoire du spectacle

Nous avons joué La Jalousie du Barbouillé et Le Médecin volant plus de 100 fois. Nous pouvons citer trois temps forts de l’histoire de ce spectacle :

Novembre 2007 : la création au Théâtre Gérard Philipe d’Orléans.
Juillet et Août 2009 : l’Illustre Tournée, une tournée de 6 semaines dans les régions dans lesquelles Molière et sa troupe sont passés (40 jours, 36 représentations, 8 régions et 20 départements traversés, 5000 km parcourus, 10000 spectateurs rencontrés). http://lillustretournee.blogspot.com/
Mai 2010 : 3 semaines de représentations au Théâtre de l’Epée de Bois à la Cartoucherie (Paris).

La mise en scène

Nous avons pris le parti de jouer ces deux pièces en commedia dell’arte, comme c’était le cas lors de leurs créations.
Les personnages de Molière étant inspirés des canevas italiens, nous avons gardé les costumes traditionnels (Le Docteur, Gorgibus/Pantalone, Sganarelle/Arlequin, Gros-René/Brighella, la servante, les amoureux). Nous utilisons des masques en cuir. Nous avons également suivi la tradition qui veut que seuls certains personnages soient masqués.
Le décor est épuré : un rideau blanc figurant toutes sortes de lieux (maison, place, rue) comme le veut le théâtre de tréteaux. Ce rideau peut également rappeler un castelet géant d’où les acteurs marionnettes surgiraient.
Les conditions techniques étant réduites au minimum (plein feux), cette esthétique du théâtre de tréteaux laisse toute la responsabilité du spectacle sur les épaules des six comédiens.

Par leur énergie, leur gestuelle, leur imaginaire, leur écoute, et le dialogue qu’ils font naître avec les spectateurs, ils sonnent vie à des types de personnages universels (le viellard avare, le pédant, le valet fourbe, etc..) qui vivent des histoires intemporelles.

La commedia dell’arte

La commedia dell’arte offre la possibilité aux spectateurs de participer au spectacle. Par son écoute, par ses réactions, le public est un acteur à part entière.

Grâce aux costumes, aux masques, et à la gestuelle des comédiens, chaque personnage est facilement identifiable par le public (Le Docteur, Gorgibus, les amoureux, Gros-René, Sganarelle, etc..). En fonction  de son âge, de son statut social et de ce qu’il est en train de vivre, chaque personnage possède son propre rythme intérieur. Lorsque plusieurs personnages se rencontrent, ces différences de rythme doivent participer à la création du plus important d’entre tous : celui du spectacle.

Ces deux farces se jouent sur un tempo soutenu, parfois même endiablé. Des respirations sont apportées par les lazzis, ces jeux de scène qui permettent au spectateur pendant un court instant d’oublier l’intrigue pour mieux y revenir par la suite. Il en est de même avec les chansons qui sont utilisées soit comme ponctuation d’une scène soit comme intermède.

Les deux pièces peuvent être jouées séparément. Elles sont autonomes. Ainsi La Jalousie du Barbouillé est une farce de structure classique qui développe un comique de situation. Le Médecin volant est une œuvre plus extravagante dans laquelle un comique rabelaisien côtoie burlesque et absurde.
C’est ce contraste qui lorsque les deux pièces sont jouées à la suite, apporte au spectacle un charme singulier.

L’équipe

Mise en scène : Raphaël De Angelis
Assistant à la mise en scène : Brice Cousin
Comédiens : Valentin Boraud (en alternance avec Anthony Lozano), Brice Cousin (en alternance avec Maxime Vambre et Adrien Leroy), Raphaël De Angelis (en alternance avec Brice Cousin), Loredana Flori (en alternance avec Nastasia Berrezaie et Linda Massoz), Hervé Gransac,  Cécile Messineo (en alternance avec Romane Portail et Linda Massoz).
Création costumes : Anne-Elise Redeuil
Confection costumes : Sylviane Chouteau
Décor : Stéphane Liger
Masques : Den

Ce spectacle a été coproduit par la Cie ARTICULE et a bénéficié du soutien du Jeune Théâtre Régional d’Orléans, subventionné par la Région Centre et la Ville d’Orléans.
Il bénéficie de la participation artistique du Jeune Théâtre National.
Le Théâtre de l’éventail est conventionné avec la Ville d’Orléans et bénéficie du soutien du Conseil Général du Loiret.

Ce spectacle a reçu le Prix Engagement et Initiatives Jeunes dans le cadre du Programme Européen Jeunesse en Action. Il est également lauréat du Prix Défi Jeunes.

Fiche technique

Durée du spectacle : 1 heure 40 (sans entracte)
La Jalousie du Barbouillé : 55 minutes
Le Médecin volant : 45 minutes
Equipe : 6 comédiens. Prévoir des loges pour 6 personnes avec un portant et un point d’eau.
Espace de jeu : 6 X 6 mètres
Hauteur totale : 3,35 mètres
Temps de montage et démontage : 1 heure
Eclairage : Plan de feux à la demande
Catering : 1 pack d’eau, jus de fruit, fruits secs, gâteaux.

Presse

« De l’invention, du rythme, de la folie » Télérama

« Quelle bonne idée de renouer avec la tradition de la commedia dell’arte » Figaroscope

« Un voyage dans le temps, un travail qui ne manque pas de talent » Les Trois Coups

«  Un Molière au mieux de sa forme » La République du Centre

« Un spectacle vif et rafraichissant » La Dépêche du Midi

« Tout l’esprit du Théâtre de foire, (…) la commedia dell’arte retrouvée ! » Sud-Ouest

« Un spectacle vraiment accessible à tous » Midi Libre

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La Pièce

Laforgue réécrit les anciens mythes avec une modernité insolente, faisant fi des codes. Ici, il s’attaque à celui de Persée et Andromède.

Andromède est une princesse retenue prisonnière sur une île gardée par un dragon. Dans le mythe originel, Persée courageux héros mythologique, vient la délivrer sur son Pégase, tue le monstre et se marie avec elle. Dans l’histoire de Laforgue, Andromède est une adolescente secouée par les élans de la puberté.

Le monstre est une sorte de gentleman cultivé et contemplatif.

Quand à Persée, il est un héros « d’opéra comique », violent et désinvolte, il massacre lâchement le monstre et se comporte de façon cavalière avec Andromède. Celle-ci le congédie, reste sur l’île où elle pleure le seul être qu’elle n’a jamais aimé, le monstre.

L’humour n’est jamais loin. Trois acteurs et un musicien nous font entrer dans le monde fantaisiste de Laforgue. Ils s’amusent, pouvant forcer le trait jusqu’à la parodie.

Imagination débridée et douce indulgence créent une atmosphère subtile de sentiments mêlés, pouvant aller de la tendresse à la cruauté et de l’ironie à la sincérité.

La Mise en scène

Persée et Andromède est une adaptation. L’enjeu majeur de la mise en scène était, donc de trouver une théâtralité à ce texte sans pour autant le dénaturer. Nous avons donc cherché quel pouvait être le ressort de notre jeu. Pour ce faire nous ne sommes pas  passer par la création de personnages. Mais nous sommes partis de nous, d’acteurs qui pour supporter l’ennui, se racontent une histoire, s’amusent à y croire avec la plus grande sincérité, et, à l’image de Laforgue, dans la seconde qui suit, à la détruire, pour la reprendre, et ainsi de suite, jusqu’à la fin.

Ce parti-pris, épouse l’oeuvre et créé une grande jubilation dans le jeu des acteurs, tout en entrainant avec eux la com­plicité des spectateurs.

En ce qui concerne la scénographie, nous sommes partis du même principe: elle ne représente pas une île, mais une chambre, à partir de laquelle les acteurs s’évadent.

C’est une structure légère, facilement adaptable. Nous l’avons construit et imaginé comme un refuge, un nid, un espace clos et mal défini à partir duquel l’imagination peut se développer.

Enfin, nous tenions à la présence d’un musicien. Nous voulions que la musique soit partie prenante de l’histoire, qu’elle crée à elle seule un espace, une atmosphère.

Le musicien suit le même principe que les acteurs. Grâce à sa cornemuse et son steel drum, percussion des caraïbes, il contribue à édifier ou à arrêter l’histoire.

L’Equipe

Mise en scène: Cécile Messineo
Comédiens: Valentin Boraud, Brice Cousin, Cécile Messineo, Boris Trouplin
Création Masque: Sylviane Chouteau

La Fiche technique

Durée du Spectacle: 50 minutes
Equipe: 3 comédiens et 1 musicien. Prévoir des loges pour 4 personnes avec 1 portant et un point d’eau
Lumière : plan de feux sur demande
Espace de jeu : 7 mètres (profondeur) sur 6 mètres (largeur)
Cintres :1 cintre à la face (ou accroche faisant office de cintre)
1 cintre en fond de scène (ou accroche faisant office de cintre)
1 pendrillon noir
Temps de montage et démontage : 4 heures et 2 heures
Catering: 1 pack d’eau, jus de fruit, fruits secs, gâteaux

NB : cette fiche technique, évoque le matériel nécessaire pour des conditions optimales. Néanmoins, la scénographie étant faite de bricolage et d’assemblage de trois bouts de ficelle, ce qui en fait son charme, nous trouverons certainement toujours une solution en cas de manque, n’hésitez pas à contacter Cécile Messineo (06323800876)

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Création 2011

Le Médecin malgré lui est la deuxième création du Théâtre de l’éventail. En montant cette œuvre, nous souhaitons poursuivre ce que nous avons commencé lors du premier spectacle à savoir un travail sur la tradition (la farce française et la commedia dell’arte), le théâtre populaire (l’itinérance) et la vie de troupe.

La pièce

Le Médecin malgré lui est une comédie en trois actes écrite par Molière en 1666. Suite à l’échec rencontré avec Le Misanthrope, Molière, en chef de troupe, décide d’écrire une farce afin de retrouver le chemin du succès. C’est une des pièces de Molière les plus jouées.

Le thème général est des plus simples : une femme (Martine) battue par son mari (Sganarelle) cherche à se venger et fait croire à des tiers que bien rossé, il s’avouera médecin. Contraint par la force, le médecin « guérit » une fausse muette (Lucinde) en lui rendant son galant (Léandre). Il n’échappera pas à la fureur du père de la jeune fille, partie avec son amoureux, que par le retour inattendu du couple.

Une œuvre originale issue de deux traditions

Avec cette pièce, Molière revient à la farce, genre théâtral qui l’a amené à être soutenu par le roi Louis XIV en 1658 à la suite de la représentation du Docteur amoureux (pièce perdue).

Ce sont aussi des farces, dont La Jalousie du Barbouillé et Le Médecin volant, qu’il a jouées pendant plus de dix ans de manière itinérante en province avec sa troupe L’Illustre Théâtre.

Les pièces qu’il jouait en province étaient des pièces en un acte, issues de la tradition de la farce française et influencées par la commedia dell’arte. Le Médecin volant ou La Jalousie du Barbouillé sont caractéristiques de ce genre hybride où la tradition dramatique française sort renouvelée par l’influence des Italiens.

Le Médecin malgré lui, dans l’exacte lignée des chefs d’œuvre français des siècles précédents, ne se coupe pourtant pas de la commedia dell’arte. Si Martine, Jacqueline, ou Lucas sont des personnages typiques de la farce française, Géronte, Lucinde, et Léandre appartiennent aux types italiens conventionnels. Le personnage principal, Sganarelle, est lui hybride. Dans la première partie de la pièce, il est un personnage caractéristique des farces françaises (un fagotier), puis agit comme un zanni (un valet) de la commedia dell’arte dans la suite de l’œuvre. Ainsi, c’est dans une souple intrigue à l’italienne avec des lazzis,  jeux de scène, que va se couler la farce française.

Note d’intention

Pour créer Le Médecin malgré lui, Molière s’est largement inspiré des pièces qu’il jouait avec l’Illustre Théâtre en province. Il en a repris les fondements et les a développés.

En effet, les pièces de Molière à ses débuts, bien que leurs contenus soient intéressants, n’avaient pas la portée sociale d’une pièce comme Le Médecin malgré lui.  La médecine dont se moque Molière, contrairement à l’idée reçue, n’est pas la médecine de son temps. En fait, Molière a participé à un combat qui opposait alors les médecins de la Faculté de Médecine (ceux qu’il attaque) à d’autres médecins qui s’efforçaient, eux, d’être scientifiques et de servir la raison.

Malgré les apparences, ces conflits ne sont pas dépassés. Si Molière nous fait encore rire de la crédulité des patients et de la vanité des médecins, c’est parce que nous avons à la fois le sentiment rassurant que tout cela est bien loin de nous mais aussi la conviction que, malgré ses progrès, la médecine et les rapports que les patients entretiennent avec elle n’ont pas changé autant qu’on voudrait le penser.

L’éternel conflit entre la foi et la raison, entre la science et la magie, est toujours d’actualité. Les rôles se sont simplement inversés. La Faculté défend le camp de la raison et de la science contre des médecines aux fondements douteux.

Aujourd’hui, les crédulités et les croyances fleurissent partout, des astres aux plantes, des marabouts aux magnétiseurs, des gourous à la théorie du complot. Ce sont des barrages qu’on s’efforce de dresser contre l’angoisse de la mort. La médecine n’est qu’une des figures de cette concurrence entre les croyances et la raison. Peut-être le rire est-il l’alternative la plus sérieuse pour s’opposer à l’honorabilité grotesque dans laquelle nous enferment les croyances et les superstitions.

C’est tout du moins le parti que nous avons pris, celui de poursuivre notre travail sur le théâtre de tréteaux, le masque, la farce, la commedia dell’arte et le grotesque insolent qu’ils entraînent.

Le patrimoine et la tradition

Molière est un des grands auteurs français. Il fait partie du patrimoine culturel de notre pays. Le génie de cet auteur se verra d’autant plus, si ses pièces sont jouées dans l’esprit dans lequel elles ont été écrites. Si cela est vrai pour toutes les pièces, cela l’est d’autant plus pour Le Médecin malgré lui.

Cette pièce, par ses inspirations (la farce française et la commedia dell’arte italienne) appartient non seulement à notre patrimoine culturel mais aussi à une tradition théâtrale. Pour pouvoir monter cette pièce de la manière la plus juste possible, il faut connaître et respecter la tradition dont elle est issue.

Ce travail sur la tradition théâtrale est le fondement du Théâtre de l’éventail. Nous l’avons commencé dès La Jalousie du Barbouillé et du Médecin volant, et nous le poursuivrons pour ce spectacle. C’est-à-dire que nous nous appuierons sur les codes de la commedia dell’arte (décor, costumes, masques), tout en gardant présent l’esprit de la farce française.

L’équipe

Mise en scène : Raphaël De Angelis
Comédiens : Brice Cousin, Raphaël De Angelis, Linda Massoz, Cécile Messineo, Nicolas Orlando, Maxime Vambre
Masques : Den

Ce spectacle est coproduit par la Ville de Pézenas, et le Théâtre de l’Epée de Bois (Cartoucherie, Paris 12^ème).
Le Théâtre de l’éventail est conventionné avec la Ville d’Orléans, bénéficie du soutien du Conseil Général du Loiret et membre du collectif 108.

Fiche technique

Durée du spectacle : 1 heure 30 (sans entracte)
Equipe : 6 comédiens. Prévoir des loges pour 6 personnes avec un portant et un point d’eau.
Espace de jeu : 6 X 6 mètres
Hauteur totale : 3,35 mètres
Temps de montage et démontage : 1 heure
Eclairage : Plan de feux à la demande
Catering : 1 pack d’eau, jus de fruit, fruits sec, gâteaux.

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